Hallan dos dibujos inéditos de Dalí vinculados a Duchamp

(28.02.2009. Tomado de El Mundo, Madrid. www.elmundo.es)

• Uno de los dibujos corresponde a una escena erótica
• Las obras estaban en en el cuaderno 'Je mange Gala', de Dalí

La historiadora Pilar Parcerisas ha desubierto dos dibujos inéditos de Dalí durante su investigación para el libro 'Duchamp en España', con el que demuestra la importancia que tuvieron para Duchamp sus largas estancias en nuestro país.

'Duchamp en España' (Ed. Siruela) aborda las claves estéticas de las estancias del pintor en España, y especialmente en Cadaqués (Girona), donde contó con un anfitrión de excepción, Salvador Dalí, con quien compartió algo más que una simple amistad.

Según ha explicado Parcerisas, Dalí y Duchamp tenían "la misma posición crítica ante la historia del arte, aunque luego la resolvían por caminos formalmente distintos, pero ambos compartían el gusto por la pintura preburguesa, por el Renacimiento".

Desde la presentación en Barcelona de 'Nu descendant un escalier' en 1912 hasta su último proyecto de chimenea anaglifa pocos meses antes de su muerte, en 1968, Duchamp mantuvo una especial relación con Cadaqués.

'Nu descendant un escalier' provocó, recuerda la autora, "una gran polémica en el seno de la ideología noucentista y clasicista que se estaba construyendo en aquel momento, hasta el punto de que propició críticas abominables como la de Eugenio d'Ors, que llega a hablar del 'caso du Champ'".

El ensayo sigue el viaje que Duchamp hizo por España junto a Katherine Dreyer -la fundadora de Societé Anonyme, la primera colección de arte moderno de Nueva York, antes que la del MOMA y el Guggenheim- por ciudades como Sevilla, Toledo, Granada, Ronda o Madrid, "un itinerario del que apenas queda alguna fotografía".

En otro pasaje del libro se recoge el viaje que Duchamp hizo en 1933 junto a Mary Reynolds a Cadaqués, donde Dalí hizo una especie de crónica de la visita incluida en el cuaderno 'Je mange Gala', donde Parcerisas ha localizado los dos dibujos inéditos.

"Uno de esos dibujos corresponde a una escena erótica, sugerida por una especie de celos por Duchamp y Gala, y ahí -sostiene la historiadora del arte- comienza, de alguna forma, esa tendencia de Dalí hacia la belleza comestible, a 'comerse el objeto del deseo'".

Mutuas influencias
La influencia de Duchamp en Dalí queda plasmada en obras dalinianas como 'Cisnes que se reflejan como elefantes' (1937), donde en unas rocas Dalí pinta a Duchamp de pie orinando, "como homenaje a su 'Fuente' -el famoso urinario-; o en 'La Apoteosis del dólar' (1965), en la que pinta a Duchamp disfrazado de Luis XIV".

Dalí fue el culpable de que Duchamp pasara los últimos diez veranos de su vida (1958-68) en Cadaqués. Parcerisas ha recuperado pasajes inéditos de esa íntima vivencia del lugar, que Duchamp ocultaba bajo su "aparente indiferencia y ensimismamiento" jugando al ajedrez.
Aquí, asegura la autora, Duchamp resuelve y termina su último trabajo, 'Etant donnés', que cierra un importante capítulo de la teatralidad en la pintura y el arte.

Durante su estancia en los apartamentos de Cadaqués, diseñó dos chimeneas, de las que sólo se conserva una, y, de hecho, apunta Parcerisas, "la chimenea anaglifa fue importante para seguir realizando sus experimentos ópticos y puede ser considerada como un epílogo de 'Etant donnés'".

A Duchamp le gustaba rodearse de gente normal como albañiles, sastres, y de esa relación surgió, por ejemplo, un traje de terciopelo negro que confeccionaba para todos sus amigos con los que se encontraban luego en Nueva York con el mismo traje, "una forma de crear un efecto caleidoscópico".

Futurismo, un siglo a toda velocidad

(Tomado de El País. Miércoles 18 de febrero de 2009. http://www.elpais.com/)

ESTRELLA DE DIEGO 18/02/2009 .

A finales del año 1908 Marinetti, uno de los principales protagonistas del vanguardismo europeo, es arrojado por su coche a una zanja llena de agua tras un rocambolesco viraje para evitar a dos ciclistas. Será el primer accidente moderno que dará lugar a una narrativa mítica, la de los orígenes; cerrar una etapa de forma violenta, como ocurrirá casi medio siglo después con James Dean primero y el pintor abstraccionista Jackson Pollock después, ambos fallecidos en un choque de automóvil, muertos a manos de la velocidad, incapaces de soportar los anticuados esquemas de los cincuenta, ávidos de comenzar de cero incluso a costa de la propia vida.

También Marinetti va a perder la vida en su accidente, o por lo menos la vida que conoce hasta aquella tarde. Como si de un bautismo laico se tratara -cuenta la leyenda que más circula- reemerge de la zanja futurista. No está mal el nombre acuñado para la ocasión, pues no hay pasado ni hay ancestros: sólo el futuro por delante.

Se pone a la tarea sin perder ni un momento, porque el futuro va muy deprisa, y apenas unos meses después está concluido el texto que aparece en Figaro hace ahora 100 años, el 20 de febrero de 1909. Es un escrito programático en el que no caben dudas respecto a lo que se espera del porvenir y con ese Primer manifiesto del futurismo se inaugura mucho más que el amor a la velocidad. Con él se da el pistoletazo de salida para la vanguardia como va a entenderse y a organizarse a partir de entonces: una actitud renovadora en el terreno artístico y, sobre todo, existencial. Hay que ser sobre todo modernos, como dijeran los poetas franceses de finales del XIX.

Modernidad radical
Y Marinetti se propone serlo desde sus orígenes decadentistas que apenas un año después, en 1910, le llevan a escribir -casi a destiempo- una novela indescriptible, Mafarka el futurista, paroxismo de desenfreno colonial africano pese a dedicarse el protagonista, en ese colmo de las paradojas que acarrea el movimiento, a "la construcción de pájaros mecánicos".

Porque si la modernidad propuesta desde el manifiesto no puede ser más radical, tampoco puede ser más contradictoria. Son internacionales y son nacionalistas, revolucionarios sin intereses sociales; quieren cantar al peligro, exigen poetas ardorosos y rebeldes, glorifican la guerra -higiene del mundo-; son antifeministas y aspiran a quemar los museos, las bibliotecas y "las academias de todo tipo" en un mundo que deberá estar gobernado por la velocidad y en el cual "un automóvil de carreras que ruge es más bello que la Victoria de Samotracia".

La polémica está servida por el poeta y animador cultural Marinetti, que sabe promocionar su producto como nadie y a la manera más contemporánea, se diría, recurriendo con frecuencia al escándalo, como ocurre en las famosas seratas futuristas, veladas con mucho de actuación teatral -con insultos y provocaciones al público incluidos- y en las cuales se halla el origen del cabaret dadá y hasta de los happenings. Con un mejor manejo de los medios que habilidad intelectual, como ocurre con tantos animadores hoy, Marinetti logra promocionar el movimiento dentro y fuera de Italia hasta convertirse en referente de lo moderno en círculos tan variopintos, políticamente hablando, como Revista de Occidente y los círculos ramonianos de Madrid; la revista Actual de los estridentistas mexicanos, comprometida con la revolución rusa; o Martín Fierro de Borges en Buenos Aires, donde se parafrasea a Marinetti al escribir que "un Hispano-Suiza es una obra de arte más bella que una silla Luis XV".

Sin embargo, pese a la diversidad de facciones que el movimiento fue capaz de atraer, suele verse demasiado próximo a las posiciones mussolinianas, en parte debido a las lecturas de Walter Benjamin sobre el totalitarismo y las asociaciones con los futuristas.

Parte de razón no falta en las críticas hacia su militarismo y su peligrosa esencia nacionalista, aunque visto con la distancia del tiempo y tras las lecturas que Fluxus hizo del movimiento en la década de los sesenta, a partir de los experimentos musicales de Russolo y su Arte de los ruidos parece claro que las relaciones con el fascismo italiano no fueron tan armoniosas como se ha tratado de enfatizar. La constante revisión de posiciones del grupo, que les hizo también ser feministas y antifeministas a un tiempo, hace que resulte complejo establecer las auténticas y perdurables filiaciones ideológicas de los futuristas.

Así, hoy día el Futurismo tiende a leerse como un soplo de arte fresco, al menos en lo que a las propuestas artísticas se refiere. Si personajes como Boccioni o Balla trataron de mostrar el movimiento en la escultura, el cine y la foto de Bragaglia y sus sobreimpresiones dinámicas -la ilusión óptica de atrapar el movimiento mientras ocurre- se enraízan con la famosa obra de Duchamp Desnudo bajando una escalera, que convulsionaría la escena de los primeros años diez. No sólo. Es posible que todas y cada una de las provocaciones de la vanguardia, su fascinación por convertir el arte en la vida y la vida en el arte, por romper las fronteras entre ambos, deban volver la mirada hacia las primeras performances marinettianas.

Por eso, tratar de encontrar la herencia futurista en la actualidad no parece de ninguna manera desatinada. Los planteamientos de los futuristas siguen vivos tanto en nuestra pasión de hoy por la técnica como en la crítica cultural a los museos, si bien, más mediocres que ellos, no terminamos de quemarlos.

Dejando a un lado las radicalidades vanguardistas, está claro que el Futurismo nos enseñó algunas cosas esenciales de la modernidad: a vivir deprisa, por ejemplo, pues como dijo Lacan, la realidad no nos espera.

El año de las máquinas

- Velocidad, arte y acción. Ése es el subtítulo de la gran exposición Futurismo 1909-2009, que puede verse hasta el 7 de junio en el Palazzo Reale de Milán, la ciudad en la que Marinetti fundó la mítica revista Poesía. La muestra reúne 400 obras entre pinturas, vestidos y esculturas. De Giacomo Balla a Carlos Carrà pasando por los arquitectos Antonio Sant'elia y Virgilio Marchi.

- Futurismo 100. Un programa para todo el año con tres grandes exposiciones en toda Italia: Iluminaciones. La vanguardia frente a frente. Italia, Alemania, Rusia (en Mart di Rovereto, hasta el 7 de junio). Abstracciones (Museo Correr de Venecia, a partir del 5 de junio) y Simultaneidad (en el Palazzo Reale de Milán, a partir del 15 de octubre). Esta última será una de las grandes muestras del otoño. Un homenaje al escultor Umberto Boccioni con obras de colegas suyos como Brancusi, Tatlin, Naum Gabo, Jacques Lipchitz o Jean Arp.

Sistema Nacional de Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela

El próximo 24 de octubre, en presencia de los Príncipes de Asturias, el Maestro José Antonio Abreu en representación del Sistema Nacional de Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela, recibirá el Premio Príncipe de Asturias de las Artes. Premio esperado, y que compromete mucho más a continuar con esta hermosa labor educadora a través del arte.

Reproduzco aquí el comunicado emitido por el Maestro Abreu en ocasión de haber conocido la noticia de tan merecido galardón; y coincido totalmente con sus ideas acerca del poder educativo del arte, en todos los ámbitos del desarrollo humano. A través de la educación artística el niño puede potenciar su capacidad creadora, imagina, sueña y lucha para hacer realidad esos sueños. Como explica Eisner, gran promotor de la idea de que el arte desarrolla la mente creadora, no importa si en un futuro el niño será físico, médico, ingeniero o sacerdote; es en el arte en donde encontrará el campo perfecto para desarrollar sus habilidades y destrezas.

El siguiente comunicado, que reproduzco íntegramente, fue tomado de la página oficial de la Fundación Príncipe de Asturias (http://www.fundacionprincipedeasturias.org/).

"Con la más honda emoción hemos recibido el texto del veredicto mediante el cual el Ilustre Jurado designado al efecto ha conferido el Premio Príncipe de Asturias de las Artes 2008 a las Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela.

Al agradecer profundamente tan insigne Galardón, hacemos propicia la ocasión para reafirmar nuestra firme condición en el sentido de que la Misión del Arte en la nueva generación trasciende el horizonte de lo estético para proyectarse vigorosamente sobre el amplio dominio que abarca, desde la formación humanística integral de la personalidad, hasta la plena inserción del joven y del niño, mediante el ejercicio artístico, en una vida social constructiva, fecunda y ascendente. De ahí que la Juventud y la Infancia Musicales de Iberoamérica constituyen ciertamente, excelso testimonio de un Continente que, en la existencia y en la obra de sus intelectuales y artistas, encuentra glorioso paradigma.

Desde sus inicios, nuestra labor se inspira en el principio conforme al cual la Educación Artística, lejos de constituir monopolio de élites, debe consolidarse como eminente Derecho Social de nuestros pueblos. Ningún Proyecto Social seriamente concebido puede ya negar a la Democratización de la Enseñanza Artística el carácter de Programa prioritario para la capacitación y el rescate de las nuevas generaciones. De esta manera, a organización integral de Sistemas Nacionales para la Educación en el Arte y por el Arte, a nivel de las mayorías populares, se impone, día a día como instrumento insuperable de Inclusión Social e Integración Comunitaria.

Por lo anterior, el objetivo esencial del Sistema Nacional de las Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela no se refiere sólo al plano artístico, sino que se inserta, directa y profundamente, en el contexto global de una estrategia de Participación, Capacitación, Prevención y Rescate de Jóvenes y Niños en y por el Arte. En su condición de comunidades en perpetuo ejercicio de concertación, las Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles representan el modelo de una avanzada y auténtica Escuela de Vida Social. En Venezuela, la Práctica Orquestal y Coral cotidiana ha demostrado ser herramienta particularmente eficaz para hincar solidamente a jóvenes y niños en el quehacer colectivo, en la coexistencia solidaria, en un quehacer creador profundamente realizador de la personalidad, propicio a la forja de un espíritu solidario y fraterno, tanto como a un formidable desarrollo de la autoestima. La pobreza material comienza a ser vencida por aquella sublime riqueza espiritual que germina en y por la Música.

La Fundación Príncipe de Asturias puede abrigar la certeza de que el Premio Príncipe de Asturias de las Artes ha reafirmado hondamente en nuestro corazón el compromiso de seguir adelante, con tenaz empeño, al servicio de la infancia de Venezuela e Iberoamérica, consagrados íntegramente, como educadores y como artistas, a la causa imperecedera de su juventud.En nombre de las Orquestas y Coros Juveniles de la Nación, hago propicia la ocasión para reiterarles las seguridades de nuestra más alta consideración, entrañable afecto y perenne gratitud".

José Antonio Abreu

Director fundador

Sistema Nacional de las Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela

Gracias Maestro por hacernos sentir orgullosos de nuestro país, de la niñez y juventud venezolana que llevan el arte arraigado en sus corazones. Gracias a todos los niños y jóvenes (y no tan jóvenes ya) que son ejemplo de que el trabajo disciplinado y responsable puede brindar frutos inesperados.

CAMLB: 15 Años de Arte y Cultura

Gracias al sueño y al tesón de una artista como Lía Bermúdez (quien lleva al Zulia en la sangre aunque naciera en Caracas), hace quince años abrió sus puertas el Centro de Arte de Maracaibo que lleva su nombre. Muchas han sido las satisfacciones, pero también muchos los obstáculos que la Fundación CAMLB, su personal directivo y su personal administrativo y obrero han tenido que sortear. Sin embargo, una de las grandes metas ha sido cumplida con creces: posicionarse como uno de los centros culturales más importantes de Venezuela, con exposiciones innovadoras, con eventos dominicales abiertos al gran público marabino y con actividades dirigidas hacia la comunidad y que tienen como finalidad educar por y para la cultura.

Desde hace algunos años he tenido la oportunidad de conocer de cerca el trabajo arduo y responsable que se realiza día a día en los espacios del antiguo Mercado Municipal de la ciudad de Maracaibo, donde actualmente funciona el CAMLB. He podido disfrutar de sus actividades, he podido conocer la dedicación y el amor que promueve la Sociedad de Amigos de dicha fundación (especialmente en los momentos más difíciles) y es por ello que el CAMLB es punta de lanza en la batalla, que día a día, libra el sector cultural en el país.

Gracias Lía por este regalo al Zulia (esperamos que el Museo Ecológico del Lago pueda cristalizarse también) y muchas felicidades CAMLB por brindarnos a los zulianos 15 años de arte y de cultura.

(Fotografía tomada de la página web www.visitemaracaibo.gob.ve)

Raoul Dufy, el placer

Quise comenzar mi blog con esta noticia tomada de la página web del diario El Mundo (España), dedicada a la inauguración de una exposición que, como sólo los pintores fauvistas lograron con sus obras, hace que mariposas revoloteen en nuestra alma gracias al color. "Las fieras" (les fauves) como llamara Vauxcelles, fueron fieles al color, y Dufy más que ningún otro conservó un estilo original hasta casi el final de su vida.

Reproduzco aquí, en este blog dedicado al arte, al patrimonio, a la cultura, el artículo "Raoul Dufy, el placer" (elmundo.es 17.10.2008) para sacar del olvido a esta gran "fiera" de la historia del arte.

"Luz y color son los protagonistas de la retrospectiva que el Museo de Arte Moderno de la Villa de París dedica a Raoul Dufy, pintor fauvista cuya obra había ido cayendo en el olvido en los últimos años. De hecho, esta es la primera muestra consagrada exclusivamente al artista desde su fallecimiento en 1953. La exhibición lleva por título 'Raoul Dufy, el placer', en alusión al término que empleó para definir al pintor la siempre influyente Gertrude Stein, mecenas entre otros del propio Dufy y de colosos como Picasso, Renoir o Gauguin. Stein colgó esa etiqueta a Dufy porque su pintura evoca la alegría de vivir, llena de colores, de formas ligeras y de arabescos sobre el lienzo. Una delicia para la vista que puede verse en el museo parisino hasta el próximo 11 de enero".